Diego Velázquez fue un famoso artista barroco español, cuyo nombre es Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, fue el máximo maestro de la pintura a nivel mundial. De origen sevillano, nace en junio del año de 1599, cuyos padres fueron João Rodríguez da Silva y Jerónima.
Biografía de Diego Velázquez
De Sevilla, bautizado el junio 6 del año 1599- Madrid, 6 de Agosto de 1660. Sus primero años fueron en Sevilla, es allí donde inició su desarrollo en el cual se empezó a notar su estilo naturalista de iluminación tenebrista, por la influencia de Caravaggio y sus discípulos.
Cuando cumplió 24 años de edad viajó a Madrid, en donde fue elegido pintor del rey Felipe IV en donde cuatro años más tarde lo ascendieron a pintor de la cámara, en ese momento era el cargo con más importancia, entre los artistas de la corte. (Ver articulo: Museo de América)
Un gran maestro pictórico, el famoso sevillano Diego Velázquez engalanó su peculiar carácter con mucha discreción y calma, son muchas cosas que se pueden hablar de sus grandes obras, pero en realidad se sabe poco de ello y es muy probable que no se logre saber más con respecto a la psicología que en ellas se plasmaba.
Fue un joven con mucha disciplina y muy cuidadoso, educado por un viejo maestro, pintor Herrera el cual lo más probable es que no haya gustado mucho, ya que era un poco fuerte en sus enseñanzas; según escritos con este paso solo una corta temporada, antes de iniciarse en los doce años, del taller de un famoso pintor en ese momento llamado Francisco Pacheco, era una persona muy modesta y excelente persona.
Es de este grande pintor de que proceden sus primeras noticias, de sus futuros logros como gran creador barroco español, es sin lugar a duda uno de los más grandes artistas en el mundo. Diego Velázquez fue hijo heredero de un hidalgo no contaba con muchas riquezas, su familia era originaria de Portugal quizás de Oporto, sin embargo ya nacido en Sevilla.
Llamado Juan Rodríguez y de Jerónima Velázquez, asimismo mujer de abolengo pero no de matrimonio. El día en que se bautizó, Juan cancelo previamente una módica colaboración al sacristán, invitó a sus más allegados a clarete y a Tortas de San Juan de Alfarache y este recreo a los niños con algunas monedas de poca denominación que arrojaba por la ventana. (Ver articulo: Museo Judio de Berlin)
Este pequeño niño no le ha de defraudar, a este dispendio y festejos a su honor, el mismo se mostró muy dócil en especial a los deseos paternos, al transcurrir su infancia ingresó en el taller de Francisco Pacheco, sin oponerse.
El chico fue demostrando algunas de sus mañas como dibujante, y lograba aprender muy rápido, lo sutil de en los colores que su maestro Pacheco no dudo ni un momento de hablar de su gran genio y así lo fue encaminando manejando su misma suavidad y la inspiración de aquel joven cada día demostraba.
Entre este joven y su maestro se creó una fuerte amistad que se fundaba en admiración y su indudable orgullo, de Pacheco y la misma gratitud que mostraba este despabilado muchacho. Fueron lazos que se afianzaron mucho más cuando este viejo maestro le otorgó la mano de su hija Juana a sus diecinueve años.
Sin duda, sobraban las razones el cual favorecieron este matrimonio, expuso Pacheco: “después de unos cinco años de estudios e ilustración, le case con mi hija, movido por sus virtudes, limpieza y sus buenas partes, y así como las muchas esperanzas natural y su gran ingenio.
Claro y porque la virtud del maestro era la más grande que la del suegro, se dice que ha sido justo, aunque algunos le quieren quitar la gloria a mis años dedicados.
No necesito aventajarse como maestro del discípulo, si no perdió Leonardo de Vinci por Rafael por discípulo, ni mucho menos Jorge de castelfranco a Tiziano”.
Rápido se hizo chica Sevilla para diego Velázquez e ambiciono ganar un puesto en la corte, en donde había instalado Felipe IV, era un rey de pocas luces diplomáticas, sin embargo muy inclinado por las artes y que al pasar el tiempo, llegó a sentir una gran admiración por el pintor hasta una anormal necesidad de su compañía.
En el primer viaje que realizó no contó con mucha suerte, ya que no contaba con muchas recomendaciones para entrar al palacio y entonces decidió volver a su tierra originaria sin haber logrado algún éxito.
Su protector y suegro sin embargo, seguía muy optimista, lo animaba a que siguiera intentando, de otra manera Diego Velázquez hubiera permanecido en el anonimato, en un ambiente limitado de provincia , alejado de los aires que normalmente se viven en las zonas Cosmopolitan de las cortes de Europa.
En Sevilla, en el tiempo que se ha dado a llamar, con astucia de historiador, en su primer periodo aunque sus obras son el resultado de búsquedas continuas, su género va siguiendo al que mantienen los manieristas (estilo artístico) y los estudios del arte veneciano.
Como por ejemplo de Juan de la Roela, pero tomando los famosos claroscuros de Caravaggio, sin duda ha sido un predominio muy discutido.
Sin embargo, Velásquez se pondera muy rápido del realismo barroco, caracterizado por su audacia, intranquilidad, grave y repleto de contraste, el cual es seguido por Francisco de Zurbarán o quizás de Alonso Cano.
Es un realismo, que se encuentre en su popularidad, ya su momento había sido concurrido por la literatura de esa época, es una corriente de novela picaresca que suele aparecer en los almuerzos que se muestran en los museos de Leningrado y Budapest.
De la misma manera en tres músicos, en donde la apropiación se evapora el humor para sí reunir el tema en su descripción de maltrecho decoro del protagonista.
También es muy curioso cómo en esa época, se usaban muchos los encargos de cuestiones religiosas para acercar al ascua a su sardina y, abandonando en un fondo muy remoto el suceso el cual le da el título al cuadro.
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Es así que pasan a un primer plano del carácter rudo de los personajes de la población y los minuciosos bodegones en donde almacenan los objetos, de la necesitada vida cotidiana.
En cuando al cristo en la casa de Marta y María, es un cuadro en que le da una absoluta relevancia la cocina así como sus habitantes, el pescado, las vasijas entre muchos otros artículos populares. El museo del prado, guarda actualmente muchas de sus espectaculares pinturas, de aquel periodo sevillano.
Como por ejemplo el lienzo la adoración de los reyes magos, el cual tiene como fecha en año 1619, que fue poco tiempo después de su casamiento y de que Juana le diera hijos, y en donde se quiso reflejar, en especial en aquellos rasgos infantil del niño Jesús, este fue una distinción a su familia y la muestra de aquella felicidad que embargaba al brillante padre.
Es normal que por muchas personas; este cuadro de los reyes magos es un legítimo retrato, no idealizaciones, es algo convencional, y en él se deja ver también la auténtica vocación de quien fue el más grande de los artistas en su tiempo.
Tiempo después se dio su segundo intento en Madrid, hay favorablemente prevenido de avales, recibió Velázquez los regalos y favores de ese entonces conde-duque de olivares, quien le logró una oportunidad al confiarle que realizara un retrato de este nuevo monarca.
Fue entonces que Felipe IV quedó muy satisfecho por esta gran obra que de forma inmediata lo designó pintor de la corte, precisando a Velázquez su traslado a la capital y así vivir en el Palacio Real.
En sus inicios madrileños, este artista fue reemplazando sus particulares tonos terrosos por una original gama de grises que al pasar el tiempo fue su técnica más admirable y un muy buen ejemplo de su peculiar ingenio sutil.
En cuanto la impresión del paisaje, en el año 1629 Diego Velázquez realizó su primera pintura que lleva como tema mitológico los borrachos ya que el asunto trabajado a Baco se convierte bajo sus manos en una ilustración de las francachelas más famosas de esa época. (Ver articulo: Museo del Prado)
Es en el año siguiente que llega a Madrid Rubens, con el que se entabló una buena amistad y también lealtad, el mismo le sugiere que no deje de ir a Italia, en donde su gran arte puede purificarse y enaltecer.
Se empeñó desde entonces en ello, en el que logra, después de mucho insistir la licencia por parte del rey y cuando salió de puerto de Barcelona, entonces desembarca en Génova en el año 1629.
Aprovecha para visitar Verona, Ferrara, Loreto, Bolonia entre otras, en la que aprovecha para memorizar diferentes gamas de colores, audaces composiciones, muchas ramas atmosféricas de la misma manera luces asombrosas.
Posiblemente en aquel momento, aunque sin duda hay quien confirma que fue en el segundo viaje que realizó a Roma, que pintó las asombrosas vistas del jardín de la villa médicis. Fue en donde vivió aquel español ya que le mismo embajador se lo recomendó, en ese mismo lugar y al aire libre, fue que tomó sus apuntes más sobresalientes.
Es un ambiente con paisajes muy realistas, románticos, melancólicos, intemporales, se puede decir que muy impresionista por la libertad que muestran sus trazos, aunque hace ya hace dos siglos aproximadamente eran cuadros de estilos, y muy perfectos en cuanto a la captura de la iluminación, de un aire limpio y ligado a la inmensa vegetación y su magnífica arquitectura.
Son imágenes que sin duda son muy importante y que hasta hoy se han logrado conservan en el museo de prado, para muchos llega a ser inolvidables cuando se lograr apreciar por vez primera, muchas de las pinturas fueron realizadas por práctica quizás ocio.
En pequeños lienzos que no llegan a medir el medio metros de alto y un poco menos de ancho, pero que manifiestan en su magnífica evidencia, lo sobresaliente de aquellos años de Velázquez.
Es verdadero que cuando regresos de España, elaboró obras de gran envergadura y empaque, como por ejemplo la llamada “la rendición de Breda”, el cual es mejor conocida como las lanzas, en los años treinta y cuarenta aproximadamente diego Velázquez.
No solo se sometió al rey sino también a los ruines del palacio, de los bufones como por ejemplo el bobo de Coria, diego de acedo el primo así como el niño Vallecas.
A su segundo viaje a Italia el cual realizó para adquirir obras de arte en el nombre de su majestad, en manos de su paleta se realizó unas tres obras maestras más conocidas.
La venus en el espejo, que se conserva en la national gallery de Londres, el cual es muy famosa ya que se trata de uno de los pocos desnudos que este peculiar pintor español de la época ha conservado, aunque se existe hasta tres más. (Ver articulo: Museo de la Plata)
Obras
Obras de diego Velázquez, al margen de su propia naturaleza, reside en su cavidad poder para tratar de una manera magnífica, y a los largo de su amplia carrera, la gran cantidad de temas pictóricos de su época. Perfecto retratista, sin embargo no fue menor en su calidad en las obras de índole mitológico, religioso, paisajista.
El arte del retrato
El progreso de sus retratos es realmente asombroso, indicando en ellos la falla de afectación de los artistas que laboraron de este género. Su obra originaria dentro de esta materia es la obra de sor Jerónima de la fuente año 1620, Museo de prado, Madrid, primera superioridad del convento de Santa Clara en Manila.
En él, el excelente maestro aun es insolvente del estilo seco y dibujístico, adecuado de su inicial etapa en Sevilla. Previamente de ir hacia la corte, elaboró la pintura del poeta Luis de Góngora y Argote año 1622, en la que sobra el señuelo psicológico del personaje.
Cuando llegó a Madrid, el joven Felipe IV le encomendó una gran cantidad de recopilación de sus obras tan regias, el cual se dio con inicio con el busto de Felipe IV con coraza, en el año 1625 en cual se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.
Posteriormente de haber realizado el de Gaspar de Guzmán, conde duque de olivares, obra u se encuentra en el Museo de arte, São Paulo, grande tutor de su arte ante la corona española.
Al mismo le persiguen retratos de las parte de la familia real así mimo del monarca, como por ejemplo el infante don Carlos y Felipe IV de cuerpo entero, dualidades que se encuentran en el Museo del Prado.
En todo el bosquejo es casi similar, en el que se consigue la profundidad visual gracias a la oscuridad que planteaban el cuerpo de sus retratos.
Luego de su viaje por Italia en el año 1629, la representación de algunas personas pertenecientes a la realiza daba una mayor realismo, abandonando la enfatización, sino también los ve.
El conjunto de obras en traje de caza, que se encargó para la torre de la parada así como los retratos, que se realizaron para el salón de reinos, son un excelente modelo de la energía realista de Velázquez.
Únicamente en esa época, el retrato encuentre del conde duque de olivares, año 1634, Museo de Madrid, abandona la cualidad comedida del pintor, para así dar a conocer un carácter resuelto en la clave barroca.
En su segundo viaje el cual realizó a Italia en el año 1649, en su carrera como retratista se reduce en dos grandiosos cuadros: el de su doméstico y también pintor Juan de Pareja.
En el año 1650, que se ubica en el Metropolitan museum, en Nueva York, y el del papa Inocencio en el año 1650, en la galería Doria Pamphili, Roma.
La imagen de Inocencio X es una de las más sobresalientes y ejemplo de captación psicológica y de destacado solución formal en la historia del arte. Al regresar a España, el rey le solicita una obra en la que retratará a su segunda esposa mariana de Austria y sus hijos, tanto lo anteriores como los más recientes.
Recalcan los de la infancia María Teresa a sus trece años de edad en el año 1651, se ubica en el museum, Nueva York. Los continuos retratos de la infanta Margarita, el cual es la gran protagonista de las meninas, y de su delicado hermano, el príncipe Felipe Próspero.
En estos su palustre sabe muy bien armonizar el rosa, el gris y rojo en una conformidad de cromático de valores plásticos que van por arriba del carácter representativo.
Los bufones y enanos
Este fue iniciado en el año 1626 con el Juan calabazas al que llamó Calabacillas así continuó por el príncipe Baltasar con un enano. El Museo del Prado mantiene un grupo que se inició por pablo de Valladolid (año 1633) y prolongada por francisco Lezcano, el niño de Vallecas (año 1636).
El bufón calabacillas, al que llaman de forma errónea el bobo de Coria, el bufón don Diego de Acedo, “el primo” (año 1645) y el bufón llamado Sebastián de Morra (año 1644).
Todos fueron realizados con gran sensibilidad, y con el mismo énfasis y realismo que lo retratos regios. Nunca se sabrá si el artista elaboró estos cuadros por su misma decisión o si lo realizó por mandato del monarca.
Lo que sí es seguro que Diego Velázquez ha dejado una gran galería de muchos personajes que muestran una gran tristeza, que se ven con gran curiosidad que puede parecer hasta cruel, si no fueran fundadas en los tonos de melancolía y compasión, que los colma de una innegable humanidad.
Las famosas obras mitológicas, es presentada por Velázquez con una intuición propia de los artistas naturalistas. Semejante que Caravaggio, se apropia el mito que lo hace cotidiano, casi que actor estrella de una acto de género. Es una temática que se inicia con el triunfo de Baco, que se encuentra en el Museo del prado, Madrid (1629), es mejor conocida como los borrachos.
En este su intérprete le falta valor ante la potencia que muestran los personajes más populares. Es indiscutible que Velázquez sabe muy bien de la cultura mitológica, en cual aprendió en la casa de su mismo suegro Francisco pacheco, parte de reunión y discusión de la superioridad sevillana en aquella época.
Maneja una idea clasicista de gran sujeción es cierta en la solución, que le da el trama a las infidelidades de venus. En la obra la fragua de vulcano, se realizó en Italia, habla de cómo apolo, al darse cuenta del adulterio de venus con marte, el cual es la esposa de vulcano, informa a este inhumano hecho.
Vulcano se muestra como un mortal, en que se confunde con sus mismos trabajadores. De igual manera ideario se muestra en la representación del dios marte cuya obra se ubica en el museo del Prado, Madrid; en la venus del espejo o mercurio y argos, en la que se llega a la trivialización de la ficción en su popular fábula de Aracne, a que se conoce mejor como las hilanderas.
Las obras religiosas, fueron más complejas de su materia religiosa, que se inicia en Sevilla con la adoración de los reyes magos. Propiamente en su san Juan evangelista en Patmos, se cree que es de su mano, ya que sus dudas crecen a la inmaculada concepción así como a sus apostolados.
Finalmente Brown a la que se imputa a Alonso cano el espectacular lienzo de la tentación de santo tomás de Aquino, la misma se encuentra museo diocesano de arte sacro, Orihuela su fecha es dudosa.
De igual manera, la coronación de la virgen el mismo se le ha atribuido al mencionado pintor granadino, quitándole en su inventario San Antonio Abad y San Pablo, el primer ermitaño, (año 1634-35) Museo del Prado Madrid.
Son Boas que realzan con luz propia se muestra dos cristos crucificados, uno y otro en el Museo del Prado, en especial el más conocido como cristo de san plácido, que posee un clasicismo austero.
Pinturas
Fue un artista del periodo barroco, el famoso siglo de oro español, el cual es considerado por varios como el artista con más talento de muchos tiempos, su gran interés comenzó a ser reconocida en dos siglos luego de su fallecimiento.
Sus pinturas más relevantes son en la actualidad parte de la recopilación permanente en el Museo del Prado, en Madrid. Hoy día se guardan un aproximado de 30 pinturas con la auditoría legalizada de Diego Velázquez, de las cuales unas 22 son las más famosas, entre ellas estas:
El triunfo de Baco (1628)
Se conoce como: los borrachos
Su autor: Diego Velázquez
Estilo: Barroco
Género: Boceto mitológico
Tipo: Cuadro
Su técnica: El Óleo
El Soporte: El Lienzo
Ubicación: Museo del Prado, Madrid
Baco, el cual es conocido como un famoso Dios griego del vino el cual se conoce como Dionisio, es el que interpreta esta tela, delegada por el rey Felipe IV de España. Se trata de un trabajo de temática mitológica se da por la inquietudes que se produjeron en el artista, los trabajos del caravaggio, entre muchas de las obras italianas.
Es un lienzo que se elaboró en Madrid y ambiciona mostrar una fusión entre las deidades griegas “los tres personajes que se ven a la izquierda y lo mundano los cinco que se encuentran a su derecha.
La calidad de esta obra es que marco un antes y después en la profesión del pintor, ya que fue con la que inició su incursión de forma seria, en cuanto al género mitológico, ya que jamás se separaría de las temáticas, hasta los últimos días.
La habilidad para la elaboración el retrato múltiple, la rescato de sus años en Sevilla como un retratista muy práctico en el arte religioso, en donde logró preparar obras de mucha complejidad. El procedimiento con la luz el cual es enfocada sobre el protagonista así como los aún lo acompañan, hace que realce el protagonista, y concede un magnífico contraste de luz y también sombra a los demás.
El naturalismo y realismo se conjugan junto con la percepción mitológica. Es una mezcla el cual otorga a la obra una representación con carácter muy original para esa época.
La fábula de Aracne (1657)
Es muy conocida como: las hilanderas
Autor: Diego Velázquez
Estilo: Barroco
Género. Alegoría literaria
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
El soporte: Lienzo
Ubicación: Museo del Prado, Madrid
Es una pintura que junto a las meninas es una obra con gran complejidad jamás elaborada por el artista, es tan grande que ha sido punto de partida a muchas interpretaciones en toda la historia.
Desde los más sencillos enfoques el cual le dan gran valor estético, el cual reflexionan en la escena como parte de un taller de costura en un palacio, hasta los más complejos comentarios discurre que se dan en dos planos de acción.
En el primero se ve en una inclinación en cinco hilanderas laborando, engalanadas según el uso de aquella época. En el plano que se aprecia en el fondo se pueden ver unas cinco personas inexplicables, que se encuentran interactuando entre ellos mismo y están observando un tapiz de querubines.
El importe técnico, su movimiento y la anatomía de sus personajes se han visto grandemente elogiados por un sin número de grandes artistas a lo largo de toda su historia.
La Adoración de los Magos (1619)
Autor: Diego Velázquez
El estilo: Barroco
Género: Pintura religiosa
Tipo: Cuadro
El soporte: Lienzo
Está ubicado en: El Museo del Prado, Madrid
Es una interpretación de tipo pictórico de la peculiar tradición cristiana, que se basa en la visita de tres reyes magos que vienen del oriente, que viene a ver al mesías que nació en Belén de Judea. Es una estructura que tiene un gran trabajo en sombras muy minucioso, de la misma manera un realismo muy admirable.
En el mismo se muestran a San José, la Virgen María y los populares tres reyes magos el cual venera al Nilo y les ofrendan sus respectivos obsequios. Es María que se muestra como una bella joven con aureola, el cual se aprecia mirando y manteniendo al niño en su regazo.
San José se ve como un hombre con rostro curtido, y viendo fijamente a su esposa, como quizá preguntándose ¿Qué pasará de ahora en adelante?
María y el niño Jesús, poseen una aureola que está en forma de cruz y sus rasgos adultos, que se encuentran cubierto por completo en tela, simulando a la mortaja que lo rodeará el día de su fallecimiento.
El Bufón don Sebastián de Morra (1645)
Es muy conocido como: El bufón el primo
Autor: Diego Velázquez
Estilo: Barroco
Género: Retrato
Tipo: Cuadro
Técnica usada: Óleo
Su soporte: Lienzo
Se ubica en: El Museo del Prado, Madrid
En lo largo de su carrera como pintor, este artista elaboró una serie de retratos como el de los enanos bufones, el cual es considerado uno de sus trabajos más asombrosos y temáticos. Sus características y técnicas, colores así como la iluminación describe la anatomía y rozando la perfección del mismo.
La cabeza de apóstol (1620)
Autor. Diego Velázquez
Estilo: Barroco
Género: Retrato
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Se ubica en: Museo del Prado, Madrid
Es una pintura muy importante en el que se muestra el claro oscuro, que se muestra en el rostro de un apóstol, en el que no se sabe en realidad cuál de los personajes bíblicos es en realidad, pero se conoce que no se trata de un santo tomás ni tampoco san pablo, ya que se dice que este lienzo inicialmente, ante que fuera recortado ya se encontraba incluido estos dos santos.
Según los especialistas hay un 100% de la autoría del lienzo, fuera de las características de esta pintura se le puede imputar con insuficiencia margen de error, el estilo que el artista plasmó en los años de 1619 y 1620.
Francisco Lezcano, “el Niño de Vallecas” (1640)
Autor: Diego Velázquez
Estilo: Barroco
Género: Retrato costumbrista
Tipo: Cuadro
Soporte: Lienzo
Sus medidas: 107 x 83 cm
Se ubica: Museo del Prado, Madrid
Enano que laboro como bufón en la corte del príncipe Baltasar Carlos, el mismo también sufría de problemas mentales, el cual fue diagnosticado en aquel entonces como oligofrenia.
El mismo se muestra sentado en un ambiente campestre en la costa, reposa el niño de Vallecas, mostrándose despreocupado, casi que desafiante, entre las manos que atestiguan lo que al parecer es un mazo de naipes, imagen de modo de vida.
Sus distintas expresiones de mucho interés que destacan en la cara y manos se encuentran muy bien iluminadas con una gran sabiduría sublime.
Las discapacidades que Velázquez se atrevía a plasmar, trazan una disputa moral hasta entonces, muchas discusiones se han hecho del artista, en el que buscan la humanización y la dignidad, o por el contrario es una pintura que guarda un descrédito sobreentendido por los individuos de forma disimulada.
Cuadros
Diego Velázquez, el famoso pintor del rey, tuvo la inspiración por la pintura desde que era niño. En Madrid pudo conquistar el afecto del Felipe IV, el cual logró muchos trabajos de forma exclusiva para el mismo, en el que se instaló como un gran señor en aquel palacio.
En ese entonces desarrolló admirables piezas un sinfín de retratos que lo hicieron muy famoso. Realizó unos dos viajes a Italia, en el año 1629 y 1649, el cal le abrieron las puertas de forma directa con el arte en el país, en especial en la pintura veneciana.
Un artista muy distinguido y seguro de sí mismo, fue elaborando su arte según la evolución el cal más tarde se fue convirtiendo en una magnífica y significativa pintas, y que va desde el realismo puro, al realismo pleno en la madurez. Se encuentran una serie de obras que se encuentran cuidadosamente ordenadas, para así seguir su progreso de cada una de ellas.
El Desayuno (1618)
Diego Velázquez, asimismo realizo retratos a muchos personas de gran importancia, algunos cortesanos, en los que plasmó muchas escenas de sus costumbres que son protagonizadas por mucha personas corrientes. En la misma pudo mostrar el amor que sentía por el pueblo y sus pensamiento intensamente humanos de la vida.
El cuadro llamado el desayuno que se encuentra en el Museo del Ermitage, en el pintor nos muestra a dos jóvenes que, supuestamente, ha invitado a un anciano, posiblemente un vagabundo. La explicación y sus personajes se redundan en varias ocasiones en la obra del artista.
El artista destaca a los jóvenes que se muestran gesticulantes, repletos de vida y audacia, con una actitud diferente como inmóvil y prudente anciano que, escucha con detenimiento aquella habladuría de los jóvenes, se puede ver que posee mucha experiencia. Se compara con mucha sutileza la juventud y la vejez.
Es un cuadro con mucho contraste y sombras que fundan perfectamente el espacio pictórico. Cuenta con gran destreza en la que se usa la luz para que pueda sobresalir los rostros, el color blanco del mantel, el vaso con vino, el pan a fruta etc.
El artista proporciona un cuidado a cada detalle expuesto, cada uno de ellos está descrito brillantemente en general la obra comunica un gran movimiento estético.
San Juan Evangelista en la Isla de Patmos
Guardado en el national gallery, es un cuadro que correspondió al convento de las carmelitas calzadas de Sevilla y fue realizado antes que Diego Velázquez fuera a Madrid. Es una obra, en donde san juan se encuentra sentado y escribiendo el Apocalipsis, en el que se puede apreciar su simbología, el águila a un lado.
Propósito hacia un enfoque de figura femenina alada con un dragón, en una esquina en la parte superior e izquierda del lienzo. La luz que se muestra en el escenario nocturno proviene de esta visión.
Velázquez utiliza un formato habitual para dicho tema, pero, en vez de mostrar a san juan como un hombre viejo, tal y como se describen en mucha de las escrituras en el apocalipsis, retrata a este como un hombre joven. Su rostro es muy personalizado; no se ve idealización y su bigote es típico español.
Es muy claro que el artista laboraba con un tema, que sin embargo los colores que se utilizaron en esta pintura son desiguales de que regularmente aprovechaba en la etapa sevillana. Se presente un contraste energético de luz y oscuridad que inmortaliza un estilo greco cuando alternaba eventos visionarios.
La Adoración de los Reyes Magos
En esta etapa sevillana, si se quiere de tenebrismo mejor descrito, se encuentra en el Museo del Prado además de algunas pinturas esta obra soberbia de Adoración de los reyes magos, el cual tienen como fecha 1619 en la juventud del artista.
En la que se traduce muy bien algunas de la inquietudes luminosas así como el realismo prieto y un poco escultórico en el modelado de sus primero años.
Se evidencia una escala de colores, que van de tonos pardos, con algunas sombras espesas y golpes muy luminosos con gran intensidad, el peculiar paisaje, de muchos tonos graves que da un recuerdo bassanesi, y un semblante individual y muy concreto de los rostros, pinturas que sin lugar a duda, precisan un maravilloso primer estilo.
En el suave, y muy real rostro de la Virgen, y el agradable niño Jesús, tan real e infantil, tendrá que ver, cómo de forma repetidamente se ha expresado, un tributo a la mujer y el hijo, originado ese mismo año.
Cristo en Casa de María y Marta
Se trata de un cuadro que corresponda a la época Sevillana de Velázquez, antes de ir a Madrid. Los actos en que se aprecian naturalezas muertas o cocinas y tabernas que fueron de gran popularidad en Sevilla. Son oportunos de esta época velazqueña con sus peculiares colores terrosos y trazos muy densos que cuentan la textura de sus objetos y la piel de los aldeanos curtida.
El artista muestra de forma maravillosa unas radiantes escamas y mojadas de los peces y la firmeza y carácter metálico del mortero.
El dominio de Caravaggio es muy grande, tanto en el tema y de la misma manera en su tratamiento, el bodegón y sus personajes que se encuentran en un primer plano, y una segunda vista al fondo, con algunos personajes de tipo religioso, proceden de los retratistas flamencos, principalmente de pieter aertsen, que laboro en Sevilla.
El acto en el fondo está enfocada de San Lucas y pensada como un cuadro dentro del cuadro o, posiblemente como un reflejo en el espejo, pero es más posible que se trate de una escena que se da en una habitación adyacente, que se puede apreciar a través de una grieta de la pared.
Es dificultoso asimismo que la relación que existe entre la ya mencionada escena y sus figuras que se encuentren en primer plano, como la anciana y el cocinero. Lo que tal vez se estaba intentando era establecer algún tipo de analogía moral.
Autorretratos
El progreso de sus retratos es extraordinario, que indican que en ellos la falta de afectación de otros artistas que laboraron este género.
Su obra inicial que se encontraba dentro de la temática, es el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620), originario regente del convento de Santa cara en Manila. En el mismo el artista hispalense aún es quebrado en un estilo seco y dibujista, adecuado a su primera etapa sevillana.
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Antes de ir hacia la corte, ejecutó el retrato del poeta Luis de Góngora y Argote (1622), en el que sobra la atracción psicológica de su personaje.
El autorretrato
Realizado por Diego Velázquez, el cual tiene como fecha año 1640, con un estilo barroco, realizado en óleo, canvas. El mismo se encuentra en el museo de bellas artes de Valencia, fue elaborado por Velázquez como ya se mencionó y es, junto al autorretrato de las meninas, el magnífico autógrafo del pintor que se guardado.
El cual corresponde a la colección de la real academia de bellas artes de san Carlos de valencia (España) desde el año 1835 el cual fue donado por Francisco Martínez Blanco y que en la actualidad está resguardado con el grupo de colección de la institución en el museo de bellas artes.
Es una obra que pudo ser lograda en Sevilla en el año 1729 por la reina Isabel de Fornicio, quien posiblemente lo donó a Farinelli, intentos que in duda José López, rey pone en duda.
Al revés aparece una leyenda que dice: “Soy de Farinello”, previsiblemente Carlo broschi Farinelli, quien pudo lograr en el tiempo que estuvo en España en el año 1737 y 1759.
Después de su fallecimiento, este pasó a manos del Vaticano y más tarde fue sacado del lugar por las tropas napoleónicas. A continuación fue obtenido por José Martínez, cónsul de España en Livorno.
Quien intentó su venta en Madrid. De vuelta a Italia, pasó a posesión de Francisco Martínez Blanch, cónsul de España en Niza, el cual en el año 1835 lo donó a la academia de bellas artes de san Carlos.
Es un lienzo que ha tolerado alguno recortes, sí que se pueda precisar, de igual manera el estado de conservación es muy bueno en su última restauración, el cual fue realizada en el año 1986 en los talleres del Museo del Prado por la mano de Rocío Dávila, se ha logrado evidenciar la autografía de Velásquez.
El cual en un momento fue puesta en duda, en el pasado por muchos de los especialistas por la suciedad que cubría la obra. En él se pueden apreciar algunas rectificaciones en especial en toques de luz que se muestran en distintos momentos.
La primera referencia de un autorretrato que fue elaborado por Diego Velázquez la suministra su suegro y también su maestro Francisco Pacheco.
Quien afirma que en su poder se encontraba el “famoso” autorretrato el cual fue pintado por su yerno en el tiempo que se encontraba en Italia en el año 1630.
Por la edad entonces que tenía el pintor para ese momento, contaba con treinta y un años, no se entiende con el retrato de Valencia y mucho menos con ninguno de sus copias y supuesto autorretratos que derivan de valencia.
Los expedientes antiguos señalan a otros autorretratos de Velázquez, uno de ellos indicado en el catálogo de los bienes que fueron dejados por el pintor en su muerte año 1660.
Con la advertencia de que el vestido había permanecido incompleto, en el que supuestamente se pudiera tratar de un mismo autorretrato ya mencionado por pacheco, aunque sin duda es imposible fundar el vínculo.
Retrato de Maffeo Barberini
Fue uno de sus primero retratos realizado en el año 1598, es una obra que se muestra a un poderoso cardenal Maffeo Barberini, el cual es miembro de una insigne familia romana de la cual surgieron muchos pontífices así como altos prelados católicos. El mismo se encuentra en una pose muy sencilla y sin muchos obstáculos del barroco.
La luz logra que el cardenal se aprecie como saliendo del lienzo y parece que este sobresale ante la presencia del espectador.
Las Meninas
Es más que una simple obra, es un cuadro el cual fue muy estudiado en la historia y sin embargo no todos los especialistas han estado de acuerdo con el significado que le atribuyen, el género ni su fecha.
Los espejos cuadros dentro de otros cuadros, las personas que miran a los ojos de los espectadores, son muchos los secretos que sin duda oculta esta obra realizada en lienzo de algunas figuras realizadas en tamaño natural, el cual son tan admirables y asombrosas por sus técnicas.
Como el tratadista Antonio palomino, las meninas fue elaborada en el año 1656. Es una de las fechas afirmadas de manera oficial. De la misma manera el este cuadro Velázquez surge con una cruz de la orden Santiago en el pecho y el título de caballero no se lo dieron hasta el año 1658 aproximadamente.
Son muchos los dilemas que se encuentran en torno a esta obra, muchos dicen que pudo ser que el mismo Velázquez murió en el año de 1660 y el cual tuvo el tiempo para poder retocar esta gran obra maestra.
Es una obra que fue titulada la familia Felipe IV, pero en un principio el rey no parece ser el protagonista, ya que en el mismo se aprecia la infanta Margarita, justo en el centro del cuadro, flanqueada por dos meninas que las están atendiendo, son María agustina sarmiento, el cual le está ofreciendo agua, e Isabel de Velasco.
Una enana como se referían a ella, Maribárbola y Nicolasita Pertusato, el bufón. Hay que recordar que en la trayectoria de Velázquez puso pintar varios bufones.
Posterior se encuentran Marcela de Ulloa, el cual es la guarda menor de damas y otro el cual no se identifica. Al fondo del mismo José Nieto, el jefe de tapicería de la reina y abre puertas del palacio.
Velázquez cuenta con la suficiente valentía para la representación a sí mismo en el que ejerce su oficio paleta en mano, por lo cual ya se tiene un rastro de sobre lo que quiso expresar al pintar en el lienzo, es muy probable que tenga que ver con la obra.
Son muchas las interpretaciones sobre la obra y el cual traen de cabeza a muchos de los historiadores desde ya hace mucho tiempo. De hecho ya hay un desbarajuste psiquiátrico propio: por ejemplo el síndrome de la fatiga de las meninas, el cual sufren algunos de los especialistas que se pasaron en búsqueda del sentido que tiene el cuadro.
Lo que está más claro es que algunos de sus personajes que se encuentran en el retrato se sienten como si mirar hacia afuera del cuadro, es decir hacia nosotros. Es lo que más resalta en la obra.
Muchos dicen que si los reyes no están en la sala pero se pueden reflejar en el espejo, es lógico que se interprete que el artista está elaborando un retrato. Estos están posando para el pintor y la imagen del cuadro aparece en el espejo, pero realmente ellos se encuentran donde nosotros estamos.
Otra expectativa es que el artista está trabajando en el palacio cuando rápidamente entre el monarca, algunas de las personas se percatan y levantan la mirada. De manera que lo reyes se encuentran donde nosotros nos encontramos y se reflejan en el espejo.
Incluso se ha llegado a pensar que Velázquez fue un viajero e el tiempo atrevido, el cual se adelantaba a las teorías cuánticas asa como la relatividad y o que se encuentran representando en la obra es a sus mismo espectadores.
Es cierto que cuando pasa por este cuadro de forma clara se puede notar que de alguna, manera el espectador forma parte de una cuarta dimensión de la misma.
Sea cual sea la interpretación de la obra, el artista logra que no involucramos de lleno en la pintura y nos invita a juguetera, pensar, y descifrar lo que en realidad pasa justo en ese momento en que se encuentra de alguna manera congelado en el tiempo como una especie de fotografía.
De hecho hay muchas personas que consideran a las meninas como precedente de la fotografía ya que logra captar un momento congelado de una manera fotográfica más que pictórica.
Los Borrachos
Es un retrato realizado por Diego Velázquez, se encuentran en el museo del Prado, Madrid. Es popularmente popularmente como los borrachos. El pintor después que llegó a Madrid desde es una obra que fue pintada por el artista para Felipe IV, el cual le canceló a 100 ducados por su elaboración.
Los borrachos son explicados como una obra maestra de las pinturas del año 1620. Es en este trabajo que Baco se personifica como una persona que se encuentra en el centro de una pequeña festividad.
Su piel se muestra más pálida que la de los compañeros, el cual lo hacen más fácil de conocer, al resto del grupo, aparte de la figura que se muestra desuda hasta la cintura detrás de aquel dios.
Su vestimenta es un trae contemporáneo de la gente pobre que se encuentra en España del siglo XVII. Es una pintura que personifica a Baco como un dios que premia o regala a los hombres vino, el cual los libera de forma temporal de sus problemas.
En la gramática barroca, el mismo es considerado un símbolo de liberación del hombre es la esclavitud en la vida cotidiana. Es una escena que se puede dividir en dos partes. El aula a su izquierda, se ve luminosa con una actitud relajada que recuerda a un cristo en muchas escenas del juicio final, el cual se muestra sentado y desnudo hasta la cintura.
Tanto en Baco como los personajes detrás de él se encuentran personificados en las técnicas tradicionales que son usadas para las características del mito clásico.
El embellecimiento del rostro del dios el cual destaca por la luz clara que lo ilumina y que se presenta en un estilo en clasicista. En la parte derecha del mismo se pueden apreciar uno borrachos, hombres de las calles que en cierta forma invitan a unirse a su fiesta, con un contexto muy español.
No presenta embellecimiento actual en sus caras grandes y un poco gastadas, sin embargo su figura arrodillada frente al dios que es más joven y mejor vestidos que otros, con unas espadas y botas altas. Las figuras se ven en matices de claroscuro y poseen una piel más oscura. En él se encuentra varios elementos del naturalismo, como la botella y un cántaro que surgen en el suelo muy cerca de los pies del dios.
El artista aprovechó el contraste de la brillante figura del dios para dar alivio y textura en la que crea un parecido a la naturaleza muerta.
Frases de Diego Velázquez
“Pienso a Tiziano mi pintor favorito”.“El odio es solo la tristeza refleja del amor”.
“Una mujer no es un ser humano, es la razón entes humanos”.
“Platican del amor y no saben que es en realidad el corazón”.
“Las personas lloran con lo que sedujo y no por lo que en realidad sintió”.
“Cada quien le ajusta significado al amor”.
“Amo la pintura de Tintoretto con todo el corazón y una gran pureza de afecto”.
“Ignorantes que legista hablar de la humildad y no valoran una simple rebanada de pan”.
“Reflexionar viejo cuando tengas muchos recuerdos que sueños”.
“Procura que los sueños se vuelvan metas y no que se queden en sueños”.
“No sirve de nada tener lo mejor de la vida y no ser el mejor”.